El talento de venezolano se puede encontrar en todas las áreas, estos desarrollan su creatividad con la intención de exponer su arte al público, como es el caso de Félix Murillo un diseñador industrial y artista visual venezolano que ha dejado una huella imborrable en el mundo del arte con su singular propuesta creativa.

Desde el inicio de su carrera en 2016, cuando creó su icónica granada con el concepto «Remove before flight», bajo el nombre de ALBEDRÍO, ha consolidado su posición como un referente del arte contemporáneo.

En 2018, Murillo fundó su propia galería de arte en Sebucan, Caracas, donde exhibió sus pinturas y esculturas con un enfoque de pop art y street art. Su símbolo artístico, la granada, se acompaña de armas intervenidas artísticamente en una sinopsis de «hacer arte y no guerra».

 Además, su colección también incluye cubos cinéticos, bustos de personajes célebres como Simón Díaz, Avilas, contenedores de arte y pinturas de la serie Magazine con portadas de revistas como TIME, Playboy y Men’s Health.

Durante los últimos cinco años, este artista ha logrado posicionar sus obras tanto a nivel nacional como internacional. Sus piezas han sido adquiridas en diversas zonas de Venezuela, Nueva York, Madrid, Barcelona y Bogotá.

En noviembre de 2021, realizó una instalación artística para el artista Manuel Turizo en Miami, y ha recibido encargos nacionales, como un micrófono para el artista Aranone.

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A principios de 2023, Murillo decidió emprender su camino independiente, creando MURILLO ART STUDIO. Este año ha sido de grandes retos y experiencias increíbles para el artista, quien se ha adentrado en la perfección de técnicas como muralista, no solo en Caracas sino también en el interior del país.

Además, ha realizado obras a gran escala y ha participado en eventos en vivo con intervenciones artísticas para una reconocida joyería de Caracas.

En octubre de 2023, su intervención más destacada fue crear todo el arte para la bicicleta de Daniel Dhers en los Juegos Panamericanos. Y en noviembre, presentó su exposición en solitario titulada «WHO ARE YOU», donde fusionó el arte del retrato con la estética de los grafitis en los espacios del Raise en Los Palos Grandes.

Recientemente, participó en el museo urbano, abierto en la plaza Alfredo Sadel en las Mercedes, perteneciente a la alcaldía de Baruta con una obra a escala de la galleta de la fortuna, con el eslogan «Remove before dream», porque siempre ha creído en la capacidad de soñar en grande y lograr todo lo que se propone.

Una computadora fue entrevistada, así, literal, y en declaraciones publicadas en el The Conversation dio sus opiniones sobre si una máquina puede crear obras de arte.

Le preguntan al GPT-3, un modelo de lenguaje creado por OpenAI para replicar la redacción humana, si considera que las imágenes producidas por DALL-E —que crea imágenes a partir de textos descriptivos— son parecidas al arte que hacen los humanos:

“No lo creo. Creo que es interesante ver qué tipo de imágenes crea DALL·E a partir de descripciones textuales, pero no creo que sean como el arte humano”, respondió el GPT-3.

En un ensayo del filósofo Eugenio Monjeau sobre el tema titulado El futuro no está escrito, el autor chatea con la GPT-3 sobre las metáforas y la argumentación. Al final le interroga a la máquina si aprendió algo de aquel intercambio: “En esta conversación he dado respuestas basadas en mi entrenamiento y en las reglas y algoritmos en los que he sido entrenada, para ayudarte a generar un texto similar al humano que sea coherente, relevante y responda a tus preguntas”.

Y enseguida añade —en ese tono prefabricado que es quizá lo opuesto a la inteligencia— que no aprendió “nada nuevo” ni pudo formarse “nuevos conocimientos o creencias como resultado de esta conversación”. Sarcásticamente, el autor concluye que la máquina a lo mejor finja ignorancia “como parte de su estrategia para la dominación mundial”.

Hasta el momento, pareciera que la llamada inteligencia artificial es un juego que despierta pánico y/o fascinación; un juego en el que lo humano parece tornarse irrelevante.

En 1956, poco después de la Segunda Guerra Mundial, el informático John McCarthy acuñó el nombre “inteligencia artificial” para referirse a una ciencia de la computación que busca replicar la inteligencia y sus procesos a través de máquinas. Los alcances de esta disciplina tienen numerosas repercusiones en las matemáticas, la medicina, el aprendizaje, la escritura, el cine, etc.

A finales del año pasado, la Fundación del Español Urgente, FundéuRAE, la nombró la palabra o expresión del 2022, “por su presencia en los medios de comunicación y las consecuencias éticas derivadas”. Según la periodista española especializada en tecnología Esther Paniagua, “inteligencia artificial” es un nombre errado de lo que realmente se llama “procesamiento complejo de información”.

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En el mundo del arte —que, se supone, es solo hecho por humanos— este asunto ha causado un especial revuelo. Tan solo la semana pasada se habló en medios internacionales del “primer manga japonés hecho por una inteligencia artificial”, llamado Cyberpunk Momotarō y anunciado por una editorial de ese país.

Ultimamente las redes sociales han sido inundadas por imágenes hechas en programas a partir de descripciones, algunas mezclando obras de arte, tratando de emular el estilo de varios pintores o creando autorretratos efectistas hechos “al modo de”.

Que este tipo de desarrollo tecnológico irrumpa con fuerza en el arte no es gratuito. Si nos vamos a la etimología, el vocablo “artificial” proviene del latín “artificium”, cuyo genitivo “artificis” se compone de los términos “artis” y “facere”, es decir, “arte” y “hacer”. Inteligencia artificial podría traducirse como una “inteligencia que hace arte”; aunque, en la expresión archiconocida, la palabra “artificial” tenga más bien el sentido de “no natural”.

El artista venezolano Oscar Olivares cumplió la meta de hacer lo que él considera el mural más grande el mundo con tapas plásticas.

El mismo está ubicado en la ciudad de Guatire, en el estado venezolano de Miranda. Hasta ahí, y por más de un mes, Olivares junto a un grupo de voluntarios y visitantes pegaron una a una las tapas que buscan una certificación Guinness.

«¡LO LOGRAMOS! Pegamos la última tapa, más de 300.000 tapas en 33 días de trabajo, en un mural de 330 metros cuadrados. Gracias Guatire, gracias a todos los que lo han hecho posible, los quiero mucho. Inauguración: 29 de octubre. Próxima parada: Paris», escribió Oscar Olivares en su cuenta de Twitter.

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El proyecto se gestó en conjunto con la alcaldía de Zamora hace ya varios meses. En ese momento, Olivares escogió la pared donde haría su nueva aventura de reciclaje. Hizo el boceto con elementos propios de Guatire (como las parrandas de San Pedro y San Pablo, entre otras) y otros como símbolos icónicos como las guacamayas.

El mural será inaugurado oficialmente el próximo 29 de octubre; por cuanto, Oscar Olivares partirá a París donde del 21 al 23 del próximo mes participará en la Feria de Arte del Carrousel del Louvre. Será la primera vez que una obra hecha con tapas recicladas en Venezuela participe en este encuentro de arte.

¡LO LOGRAMOS! Pegamos la última tapa, más de 300.000 tapas en 33 días de trabajo, en un mural de 330 metros cuadrados. Gracias Guatire, gracias a todos los que lo han hecho posible, los quiero mucho.Inauguración: 29 de octubre.Próxima parada: Paris ?? pic.twitter.com/dUB2OOpMp3

El actor estadounidense Johnny Depp vendió el jueves por 3 millones de libras (3,65 millones de dólares) una colección de grabados de su autoría de íconos de Hollywood y del rock mediante una cadena británica de galerías.

La estrella de «Piratas del Caribe», de 59 años, viene de gastar millones de dólares en una áspera batalla legal con su exesposa, la actriz Amber Heard, de 36 años.

Depp escribió en Instagram que los grabados se venderían en línea en Castle Fine Art, que administra una red de galerías británicas.

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La empresa subió en la red una foto de Johnny Depp trabajando en un retrato del cantante Bob Dylan.

La colección titulada «Amigos y Héroes» es «un testamento a aquellos que él conoce bien y otros que lo han inspirado como persona», señaló la galería.

Citó a Depp diciendo: «Mis pinturas rodean mi vida, pero me las he guardado y limitado a mí mismo. Nadie debería limitarse».

Las obras retratan también a la fallecida actriz Elizabeth Taylor, al actor Al Pacino y a Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones.

La galería tuiteó que «Johnny Depp quebró la internet» y su página web cayó por la demanda.

Para la tarde del jueves, todos los grabados indicaban que estaban «agotados». Eran 780 piezas.

Los compradores pagaron 14.950 libras por el juego de cuatro grabados o 3.950 por uno solo.

En junio, Depp obtuvo una indemnización de 10 millones de dólares en un caso de difamación contra Heard en Estados Unidos, mientras ella ganó 2 millones en daños tras una contrademanda.

Heard apeló el veredicto del juicio, transmitido en vivo con detalles escabrosos e íntimos sobre la vida privada de la expareja.

Depp había perdido un juicio por difamación contra el tabloide británico The Sun en 2020 en Londres luego de que la publicación lo llamó «agresor de esposas».

Semanas atrás, el actor lanzó un disco con el roquero británico Jeff Beck.

El disco tuvo malas críticas pero ingresó al top 40 de Reino Unido.

Con información de AFP.

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Desde hace unos años, no hay país en el mundo donde el talento de los venezolanos no impacte. En esta oportunidad brilla en España donde el arte en la mesa realizado por un venezolano llegó al reconocido evento, “Yeguada Flor de Lis”   

Luis Oliveros, mejor conocido como el Caballero en la Mesa, llena de orgullo al país, innovando con su arte en la mesa.- De esta manera, entrega esencia de venezolano trabajador y profesional.

Incluso destaca con cada una de sus grandes obras; las cuales él llama insistentemente “trabajo orgánico y empático de mujeres y hombres con pasión».

Hace unos meses Oliveros recibió, de parte de la empresa española Colorinche Spain, la invitación para elaborar un espacio, que combinó su arte y los productos de esta marca, en «La Yeguada Flor de Lis”, propiedad de Su Alteza Real Teresa de Borbón y Borbón de España, Madrid.

Luis Oliveros describe esta experiencia como una de sus mejores aventuras «He tenido la oportunidad no sólo de seleccionar personalmente los accesorios y muebles que deseaba para el espacio y la mesa. También pude escoger uno de los símbolos más nobles de una nación, su flor, así tener el placer de conocer y trabajar con flores cultivadas en España”.

Asimismo, destacó que pudo trabajar un arreglo propio para el exhibidor. “Esto es sin duda, uno de mis más emocionantes trabajos que recordaré por siempre y a Colorinche Spain; siempre gracias por haber creído, en esta oportunidad, en mi trabajo y mi visión».

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El Caballero en la mesa, se mantendrá seleccionando espacios, eventos y colaboraciones que sumen y hablen siempre del trabajo en equipo.

Su principal intención es que lleven educación empática y accesible a su comunidad. España es uno de los destinos que tiene en su agenda; y promete seguir llevando a sus seguidores a aventurar, en el encanto de una mesa bien servida, con un aspecto de vida bonita y el encanto real al sentarte en ella.

Un retrato de Marilyn Monroe realizado por Andy Warhol en 1964 fue vendido este lunes en 195 millones de dólares en una subasta de Christie’s, pulverizando el récord para una obra del siglo XX que ostentaba «Les Femmes D’Alger (versión 0), del pintor español Pablo Picasso. 

El icónico cuadro, titulado «Shot Sage Blue Marilyn» se convierte así en la segunda obra más cara de la historia vendida en subasta, por detrás «Salvator Mundi» atribuida a Leonardo da Vinci, por la que su actual propietario, que según la prensa es el príncipe heredero de Arabia Saudita, Mohammed bin Salmán, pagó 450,3 millones de dólares en noviembre de 2017.

Una persona presente en la sala abarrotada de la sede de Christie’s en el Rockefeller Plaza en Nueva York se llevó esta obra de Warhol que pertenecía a la Fundación de los fallecidos hermanos Thomas y Doris Ammann de Zúrich, Suiza.

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Aunque se ha quedado por debajo de los 200 millones que esperaba recaudar Christie’s, esta es la obra de arte contemporáneo más cara adquirida en una subasta, un récord que hasta ahora lo ostentaba «Les Femmes d’Alger (Las mujeres de Argel – versión 0)», de Pablo Picasso que alcanzó los 179,4 millones de dólares en mayo de 2015, seguida por «Desnudo acostado» de Amedeo Modigliani vendida por 170,4 millones de dólares, también en 2015.

Asimismo está muy por encima del propio récord de un ‘warhol’, el «Silver Car Crash» (Doble Desastre) por la que se pagaron 104,5 millones en 2013 y los 110,5 millones de dólares pagados por un Basquiat en 2017 en Sotheby’s, el récord hasta ahora de una obra de un artista estadounidense. 

El nuevo propietario se lleva una de las obras «más importantes» que ha salido a subasta en una generación, y es la «cumbre absoluta del arte pop estadounidense», recordó el presidente de la sección de arte de los siglos XX y XXI, Alex Rotter, cuando Christie’s anunció su venta el pasado marzo.

Realizada a partir de una foto de un cartel publicitario de la película «Niágara» (1953) de Henry Hathaway, encarna, según Rotter, «la promesa del sueño americano que encapsula al mismo tiempo optimismo, fragilidad, celebridad e iconografía».

El cuadro vendido pertenece a la serie de cuatro reproducciones de un metro por un metro que pasó a denominarse «Shot» (Disparo), después de que una visitante de «The Factory», el estudio de Warhol en Manhattan, abriera fuego contra ellos, agujereándolos. 

Según la anécdota, la bala atravesó cuatro lienzos, que Warhol luego reparó. Así nació la serie «Shot» (Disparos).

La obra fue vendida en un lote con otras 35 piezas de artistas como Robert Ryman, Francesco Clemente, Sturtevant o Cy Twombly, entre otros, además de otros warhol. El total recaudado en el primer día de la temporada de subastas de primavera se elevó a 317,8 millones de dólares, que la Fundación dedicará a proyectos de salud y educación destinados a mejorar la vida de los menores en el mundo.

«Hay algo especial con estas pinturas de Marilyn. Es mágico, tiene carisma», dice a la AFP Richard Polsky, especialista de Warhol.

Pero sobre todo, dice, «estamos en un mundo donde el arte se ha convertido en una gran inversión».

El nuevo propietario, no solo «tendrá una gran obra, sino que también tendrá un trofeo. Es como «comprar la inmortalidad».

En los próximos días, la casa de subastas pondrá a la venta otras obras como «Retrato del artista como un joven indigente» que pintó Jean-Michel Basquiat en 1982 con un precio de salida de 30 millones de dólares, y «Untitled» (Sombras de rojo) de Mark Rothko, estimada en 80 millones y tres obras de Claude Monet que se espera que alcancen los 30 millones cada una.

Pese a que la pandemia puso de rodillas a Nueva York en 2020, su mercado del arte ha vuelto a recuperar la buena forma gracias a las grandes fortunas de la ciudad pero sobre todo a los compradores de otras partes del mundo, sobre todo asiáticos y cada vez más jóvenes.

Con información de AFP.

La Bienal de Venecia, una de las principales instituciones culturales de Italia, anunció que rechazará la participación; en todos sus eventos de personas vinculadas al gobierno ruso. Esto como gesto de protesta por la invasión de Ucrania.

«La Bienal rechaza, mientras persista esta situación, cualquier forma de colaboración con aquellos que han implementado; o apoyan un acto de agresión de gravedad sin precedentes». Así lo advirtió al referirse a la invasión rusa de Ucrania.

«Por lo tanto no aceptará la presencia en sus manifestaciones de delegaciones oficiales, instituciones y personalidades vinculadas al gobierno ruso», indicó la entidad en un comunicado.

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La Bienal, fundada en 1895 y subvencionada por el gobierno, organiza todos los años una serie de importantes exposiciones internacionales de arte. Entre las más prestigiosas del mundo, además de arquitectura así como el Festival de cine de Venecia.

En el comunicado, la Bienal subraya que no va a discriminar a los artistas según el país de proveniencia; sino a aquellos que aprueban o han colaborado con actos que van contra la convivencia pacífica de los pueblos.

«Para aquellos que se oponen al régimen actual en Rusia, siempre habrá un lugar en las exposiciones. Desde el arte hasta la arquitectura. Así como en sus festivales, desde el cine hasta la danza; pasando por la música y el teatro», precisa la nota. 

El curador y los artistas seleccionados para el pabellón de Rusia en la Bienal de Arte de Venecia renunciaron,. Lo hicieron por protesta a participar por la invasión rusa de Ucrania, un gesto que las directivas venecianas elogiaron por «su valentía».

Los organizadores aseguraron también en el comunicado que «están colaborando y seguirán colaborando» para garantizar la presencia de los artistas y curadores del pabellón de Ucrania de la bienal de Arte, que se inaugura el 23 de abril.

«Estamos fuertemente comprometidos en ello a pesar de la trágica situación en Ucrania», recalcaron.

Como otras instituciones culturales europeas, entre ellas el Teatro La Scala de Milán, la Bienal de Venecia exige a los artistas que participan en sus eventos que condenen la invasión rusa de Ucrania.

«La Bienal de Venecia no cerrará la puerta a quienes defienden la libertad de expresión y se manifiestan contra la innoble e inaceptable decisión de atacar a un Estado soberano y a su población indefensa», subrayó.

En total 80 países participarán con sus propios pabellones, repartidos entre los sugestivos espacios del Arsenal y Jardines.

Bajo el lema, «La leche de los sueños», con la curaduría de la italiana Cecilia Alemani, la exposición, que se clausurará el 27 de noviembre del 2022, exhibirá además obras de 213 artistas invitados de 58 países, con 1.433 objetos expuestos.

Con información de AFP.

Cientos de visitantes se reunieron este lunes, guardando la distancia social y con mascarillas, a las puertas del Museo de Louvre, el más visitado del mundo, para ver las obras que cobija.

Jean-Luc Martinez, presidente y director del lugar, recibió personalmente a los primeros visitantes, quienes tuvieron la oportunidad de ver el 70% de los espacios del mismo, que fue con la capacidad que se decidió abrir después de permanecer el museo cerrado desde que comenzó la pandemia del Covid-19.

Aujourd’hui à 9h, le #Louvre a rouvert ses portes ! ?? Les premiers visiteurs ont été accueillis par Jean-Luc Martinez, président-directeur du musée. pic.twitter.com/WEAcHd81fY

Además de no tener todas sus áreas disponibles, los encargados también informaron que las colecciones previstas para inaugurarse en verano y otoño fueron suspendidas.

Cuando comenzó la cuarentena en París, las autoridades del museo pusieron a disposición del público un recorrido virtual, en su página web.